Para su promoción, la industria de la música se mueve al ritmo de la data y los algoritmos. ¿Lograrán permanecer y destacar los artistas que decidan jugar por fuera de las nuevas reglas?
El 64% de los oyentes activos -especialmente entre los 16 y los 34 años- utilizan las redes sociales como fuente principal para descubrir música nueva.
Desarrollo de tapas de discos icónicas como The Dark Side of the Moon de Pink Floyd (1973), los videoclips “Thriller” de Michael Jackson (1982) y “Like a Prayer” de Madonna (1989) en MTV como definición de cultura pop, el boom de Justin Bieber en YouTube (2008) y un presente que originó y convirtió a los artistas en creadores de contenido de tiempo completo. Lo visual fue siempre parte de la construcción musical, pero hoy parece más inseparable que nunca.
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El 64% de los oyentes activos -especialmente entre los 16 y los 34 años- utilizan las redes sociales como fuente principal para descubrir música nueva, según el informe “Music Discovery in the Social Era 2026” de MIDiA. El motor de hallazgo se centra principalmente en TikTok (78%), Instagram Reels (52%) y YouTube Shorts (48%), informó Luminate. Las redes marcan la tendencia y potencian el fenómeno nostálgico y humanizador.
Hoy, el 69,6% de los ingresos globales en la música son por streaming, determinó IFPI (Federación Internacional de la Industria Fonográfica). El ecosistema musical corre al ritmo de las redes e intenta adaptarse a la velocidad de sus algoritmos y consumo: vender micro momentos, generar necesidad de pertenencia e incluir al fan en la comunidad. ¿Lo visual pasó de ser una extensión de los artistas a convertirse en el activo financiero más importante?
“Hay un punto de inflexión en la historia del formato y es cuando las plataformas de video empiezan a monetizar el contenido musical”, explica Juan Montes, director general de BAMV (Buenos Aires Music Video Festival), el primer evento competitivo internacional de videoclips en Argentina, celebrado anualmente para premiar y promover la producción audiovisual musical. Con iTunes como uno de los pioneros en rentabilizar, y al poco tiempo el boom de YouTube, el ecosistema audiovisual desplazó al videoclip del centro de la conversación para incluir una nueva diversidad de formatos.
Montes señala que estamos en “la era de los visualizers, los lyric videos y las plataformas como TikTok o Instagram, donde los propios fans también pueden ser co-creadores de este mismo mundo”. Además, Montes introduce el término de “música visual” como parte de la necesidad actual de un director creativo “que maneje desde toda la estética de la portada del disco, hasta cómo se muestran los artistas en las redes sociales” para mantener una coherencia visual sostenida en el tiempo. En momentos de fatiga por repetición de contenidos, las figuras que logren la autenticidad en la creación de un personaje, ganarán.
“La construcción visual de un artista siempre estuvo, quizás antes más desde su vestimenta o hasta su manera de verse en un show. Hoy es más relevante porque la exposición lleva a que lo visual sea más importante”, observa Juan Sahaguian, director audiovisual. La era de la nostalgia se compone también de tendencias que alimentan y buscan el principal objetivo en el espectador: hacerlo sentir.
Los videos -incluyendo streaming y redes sociales- representan el 82% de todo el tráfico IP global de consumidores, según los reportes de Cisco Annual Internet Report, y se convirtieron en la principal arma de difusión. La exigencia por la inmediatez, los contenidos orgánicos en vivo y que recrean distintos pov (point of view), son algunas de las tendencias actuales. Pero, ¿pueden las productoras y los artistas ser cómplices de este ritmo? ¿Lograrán permanecer y destacar los que decidan jugar por fuera de los algoritmos?
“Desde que arranqué a filmar, todo el laburo se hacía para las redes y siempre con el mismo esquema: que tenga que funcionar en poco tiempo y que tenga ese impacto inicial”, comenta Sahaguian sobre sus proyectos. Actualmente, los famosos hooks deben atrapar la atención entre los primeros 1,5 y 3 segundos; sino, otro contenido dentro del montón llegará para reemplazarlo.
Frente a los constantes y acelerados trends visuales de la cultura pop, Sahaguian sostiene a la hora de trabajar que el punto principal es que “la pieza funcione, tenga un buen alcance e introducción y que cuente algo”. En 2026, el volumen de contenido sobre shows en redes aumentó más del 50% y se traduce principalmente del deseo aspiracional de los fanáticos de sentir y experimentar un concierto como si hubieran estado ahí. “El sentimiento de inestabilidad en medio del quilombo”, define acertadamente el director audiovisual.
“Hay que saber cuáles son las reglas para que la pieza funcione, no solo en el algoritmo, sino en el ojo y la mente del espectador”, expresa Sahaguian, al tiempo que afirma que la imagen se termina valorizando porque “la cámara está en el lugar donde todos quisiéramos estar”.
Aunque la influencia de las redes en la expansión de la música es un presente innegable, la democratización de las plataformas es una ilusión impermanente, ya que la visibilidad y difusión de los contenidos está sujeto a los algoritmos y preferencias que cada red posicione. “Todo esto ocurre cuando se piensa más en los números que en lo creativo. Dejarse manejar por la data en lugar de la creatividad, es directamente la muerte del arte”, sintetizó Montes.
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